La muestra recorre la obra gráfica de ambos artistas y pone el foco en la actitud y los temas con que abordó cada uno de ellos esta faceta de su producción artística.
La exposición, que podrá verse hasta el próximo 5 de septiembre, revela en un recorrido por medio centenar de piezas el ideario y universo creativo de estas dos figuras clave del siglo XX.
Fundación Bancaja ha presentado esta mañana en su sede en València la exposición Francis Bacon – Lucian Freud. De profundis, una muestra que ofrece un recorrido por la obra gráfica de ambos artistas y pone el foco en qué actitud y qué temas dedicaron cada uno de ellos a esta faceta de su producción artística. La presentación ha contado con la participación del presidente de la Fundación Bancaja, Rafael Alcón, y de la comisaria de la muestra, Belén Herrera Ottino
Esta exposición, que se podrá visitar hasta el próximo 5 de septiembre, analiza las características de estos dos artistas – que fueron también amigos- y establece puntos en común en su obra gráfica, así como aspectos genuinos en cada uno de ellos. Una aproximación que se realiza a través de un recorrido por medio centenar de piezas que exhiben el ideario y universo creativo de estas dos figuras clave del siglo XX y que proceden de la Galería Marlborough y coleccionistas privados, a las que se suman la reproducción de fotografías y la proyección del documental Francis Bacon and the Brutality of Fact (1985), dirigido por Michael Blackwood.
Las obras, fechadas entre 1975 y 1992 en el caso de Bacon y entre 1982 y 2007 en el caso de Freud, permiten ver que tanto Freud como Bacon compartían temas como la exploración de la soledad del ser humano, el paso del tiempo, la angustia o el aislamiento.
Francis Bacon basó sus obras gráficas en una selección de treinta y seis de sus pinturas fechadas desde 1965 hasta 1991. Trabajó con los mejores impresores franceses, italianos y españoles. La obra gráfica (aguatintas, litografías y offsets) fue siempre realizada bajo su atenta supervisión, realizando los cambios que consideraba necesarios sobre las pruebas que finalmente él aprobaba para su edición limitada y que posteriormente numeraba y firmaba. El resultado son obras cargadas de múltiples capas de significado, repletas de referencias iconográficas, literarias e intelectuales, en las que se representa su particular lenguaje plástico centrado en la figura humana.
Para Freud el grabado es un formato íntimo y autobiográfico, que le permite reflejar lo que siente y sus vivencias, y en el que logra una síntesis de lo esencial y una alta intensidad psicológica que rodea a los personajes. Su proceso de trabajo y las técnicas que emplea en la estampación marcan un paralelismo con su pintura. Freud se enfrentaba al grabado del mismo modo que si se tratara de un lienzo: colocando las planchas de cobre sobre el caballete en posición vertical para trabajar dibujando con el buril directamente.
Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo con la reproducción de las obras acompañadas de textos de la comisaria. Además, dentro del programa de mediación cultural, se realizarán visitas guiadas.
AMPLIACIÓN DEL CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN
Bacon y Freud se conocieron en 1945 a través de otro gran pintor, Graham Sutherland (1903 – 1980). Francis Bacon hizo de Lucian Freud un artista contemporáneo, como se aprecia en los sentimientos y emociones presentes en la pincelada de Freud y que ya eran característicos de la obra de Bacon. Freud decía de Bacon: “el ser humano más inteligente y más salvaje”. Bacon, de Freud: “el problema de la obra de Lucian Freud es que es realista sin ser real”. Compartían visión, pero también tenían su propio sello personal e intransferible. Mientras que Francis Bacon se servía de múltiples fotografías para elaborar sus retratos y necesitaba la lejanía con el personaje, Lucian Freud necesitaba de una presencia del modelo durante una serie continuada de sesiones.
Francis Bacon huía de los discursos explicativos y solo buscaba provocar sensaciones, conseguir las reacciones del espectador. Empleaba en sus trabajos un tema en apariencia banal como vehículo de las más profundas reflexiones sobre la vida y la muerte. Sus cuerpos tienen una animalidad que trasciende de las formas y una evocación a lo orgánico desde las necesidades más primarias hasta las pasiones más excelsas. También se aprecia en su obra su conocimiento de los grandes maestros como Picasso, Goya o Velázquez. Un ejemplo es su obra Second Version of the Triptych 1944 (1989), presente en esta exposición. En las tres litografías de esta crucifixión se encuentran las pinturas de Picasso realizadas al final de los años 20, con formas orgánicas que sugieren a la vez imágenes humanas pero en absoluta distorsión.
En los aguafuertes de Lucian Freud seleccionados para esta exposición se observa su característica tensión emocional. Se pueden contemplar algunos de los temas habituales también en sus lienzos: desnudos, penetrantes retratos de amigos y familiares, también de Pluto – su querida perra casi al final de su vida -, autorretratos (pintó más de un centenar de autorretratos durante siete décadas, desde que tenía 14 años y hasta que cumplió los 86) y escenas de soledad. Su mirada como escultor es evidente en sus lienzos y grabados. Freud recorre la orografía de los cuerpos y los moldea a base de pinceladas en sus pinturas o con incesantes e intensas líneas con el buril para conseguir una insolente carnalidad. En la mayoría de las obras gráficas de Freud, todo lo innecesario se elimina, dejando poco o nada de color y un fondo mínimo que permite una apreciación extremadamente pura de su estilo. Como en sus pinturas, los modelos de sus grabados eran personas cercanas a él, pero a menudo anónimas para el espectador sobre las que, en largas sesiones de posado, Freud lanza una mirada inflexible dando como resultado obras llenas de honestidad, portadoras de retratos psicológicos.
FRANCIS BACON
Francis Bacon (1909 -1992) es uno de los pintores figurativos más singulares de los que desarrollaron su carrera artística durante el período de posguerra. Célebre por la creación de un estilo propio, poblado de imágenes cargadas de emoción, crudeza y violencia, que reflejan el estado de ánimo generalizado de una etapa histórica convulsa.
Nacido en Dublín (Irlanda) en el seno de una familia inglesa, Bacon nunca recibió una formación artística formal. Ganó reconocimiento instantáneo en 1945 después de una exposición en la Galería Lefevre en Londres que incluyó su tríptico Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (1944), sellando su reputación como un cronista clave de la condición humana en el periodo de posguerra. Siempre mucho más preocupado por la emoción que por la representación, Bacon trabaja las figuras como masas carnosas y distorsionadas, violentamente expresivas, con fauces abiertas, una acumulación de iconografía grotesca e impactante que simultáneamente provoca rechazo e intriga al espectador en igual medida. Esta paradoja, este carácter a la vez magnético y angustioso de la obra de Bacon, está presente en su obra gráfica.
En el año 1992 se inauguró la sede de la Galería Marlborough en Madrid con una gran exposición de pinturas de Francis Bacon, que falleció en la capital durante los preparativos de la misma. En 2008 y 2009, una gran retrospectiva de las pinturas de Bacon viajó a la Tate Britain (Londres, 11 de septiembre, 2008 – 4 de enero, 2009), al Museo Nacional del Prado (Madrid, 3 de febrero – 19 de abril, 2009) y al Metropolitan Museum of Art (Nueva York, 20 de mayo – 16 de agosto, 2009). Recientemente se celebró una gran retrospectiva de su trabajo en el Centro Pompidou (París, 11 de septiembre, 2019 – 20 de enero, 2020).
Las obras de Bacon forman parte de colecciones públicas de todo el mundo, incluido el Museo Astrup Fearnley, Oslo, Noruega; Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham, Inglaterra; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C ., Estados Unidos; Museum of Modern Art de Nueva York, Estados Unidos; Kunsthaus Zürich, Zúrich, Suiza; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imbert, Caracas, Venezuela; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España; Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Fort Worth, Texas, Estados Unidos; Colección Peggy Guggenheim, Venecia, Italia; Sammlung Essl, Klosterneuburg, Austria; Museo Sprengel Hannover, Hannover, Alemania; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Tate Britain, Londres, Inglaterra y la Tate Modern, Londres, Inglaterra.
LUCIAN FREUD
Lucian Freud (1922-2011), hijo del arquitecto judío Ernst L. Freud y nieto de Sigmund Freud – padre del psicoanálisis – es considerado uno de los principales retratistas figurativos del siglo XX. Freud desarrolló un estilo fiel a la realidad, pero a través de un filtro de crudeza, nunca complaciente con el espectador, sin ninguna concesión al decorativismo. Nació en Berlín, pero siendo aún un niño, en 1933, su familia y él se vieron obligados a abandonar Alemania por el nazismo y establecerse en Inglaterra, donde Freud vivió y desarrolló su carrera artística hasta su muerte en 2011. Aunque el reconocimiento artístico, sobre todo en el ámbito británico, le llegó en la década de los 50, fue en los 80 cuando empezó a disfrutar de un indiscutible éxito de crítica internacional a raíz de una gran exposición retrospectiva celebrada en el Hirshhorn Museum de Washington que luego itineró a otras instituciones internacionales. En 2008, su cuadro Benefits Supervisor Resting, subastado en Christie’s, se convirtió en la obra más cara vendida en subasta de un artista vivo.
Creó sus primeros grabados en París en 1946, y su obra gráfica forma una parte esencial de su corpus artístico. Las marcas y técnicas que empleó durante el proceso de estampación representan una progresión natural como dibujante.
Las obras de Lucian Freud se encuentran en las colecciones privadas y públicas más prestigiosas del mundo, como The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois, Estados Unidos; The Baltimore Museum of Art, Maryland, Estados Unidos; Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham, Inglaterra; Carnegie Institute, Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos; Centre Georges Pompidou, París, Francia; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C, Estados Unidos; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; Museum of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos; National Gallery, Ciudad del Cabo, Sudáfrica; National Gallery of Art, Washington, D.C, Estados Unidos; Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo, Escocia; Städelisches Kunstinstitut, Frankfurt, Alemania; Tate Modern, Londres, Inglaterra; The Royal Academy, Londres, Inglaterra; y el Victoria and Albert Museum, Londres, Inglaterra.
