La exposición está integrada por medio centenar de obras, la mayoría de ellas inéditas en España, de 20 artistas británicos nacidos entre 1937 y 1978 entre los que se encuentran creadores como David Hockney, Tony Cragg, Anish Kapoor, Damien Hirst o Idris Khan.
Fundación Bancaja ha presentado esta mañana en su sede en València la exposición London Calling. Arte británico hoy. De David Hockney a Idris Khan, que reúne el trabajo reciente de una veintena de artistas británicos de distintas generaciones para los que la ciudad de Londres ha jugado un papel muy importante en su trayectoria artística.
La presentación ha contado con la participación del presidente de la Fundación Bancaja, Rafael Alcón, y de los comisarios de la muestra, Maya Binkin y Javier Molins.
La muestra, que se podrá visitar hasta el próximo 17 de octubre, realiza una radiografía de la creación más contemporánea de un elenco de artistas vivos nacidos a lo largo de cinco décadas, entre 1937 y 1978, y formado por David Hockney, Michael Craig-Martin, Phyllida Barlow, Sean Scully, Richard Deacon, Tony Cragg, Antony Gormley, Anish Kapoor, Cornelia Parker, Julian Opie, Grayson Perry, Yinka Shonibare, Jake y Dinos Chapman, Rachel Whiteread, Damien Hirst, Mat Collishaw, Rachel Howard, Jason Martin, Annie Morris e Idris Khan.
La exposición revela la escena artística actual londinense a través de un recorrido por medio centenar de obras, la mayoría inéditas en España y algunas realizadas expresamente para la muestra, procedentes de los propios artistas y de galerías y colecciones internacionales como Gagosian Gallery, Hauser and Wirth, Goodman Gallery, Victoria Miró Gallery, Frith Street Gallery, Cristea Roberts Gallery, Science LTD, Modern Forms, Gallerie Lelong, Gallerie Thaddaeus Ropac, Colección Hortensia Herrero y John J. Studzinski, a las que se suman obras de la colección de la Fundación Bancaja.
El recorrido por la sala sigue el orden cronológico de nacimiento de estos creadores, comenzando con el más veterano, David Hockney, hasta el más joven, Idris Khan. El amplio abanico de artistas permite contemplar técnicas artísticas tan variadas como la pintura, la escultura, el dibujo, la cerámica, la fotografía, el vídeo, los tapices, las instalaciones o la creación digital; disciplinas en las que utilizan una gran cantidad de materiales como cartón, tela, lienzo, papel, cemento, PVC, acero, bronce, vinilo, mármol, cuero, piedra, aluminio, cera, plástico, silicona, plata, hormigón o cristal.
La selección de obra descubre cómo se abordan desde el arte británico más contemporáneo temas tan diversos como la vida cotidiana, el confinamiento derivado de la pandemia, la exploración del ser humano, el paisaje, la política, la religión, la historia del arte, la literatura, la música, el género, la violencia, la maternidad, la fertilidad, la feminidad, la identidad, el comercio, la raza, el hogar o la relación entre la vida y la muerte. Con motivo de la exposición se hay editado un catálogo con la reproducción de las obras, una entrevista con cada uno de los artistas y los textos de los comisarios, Maya Binkin y Javier Molins.
Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo con la reproducción de obras que forman parte del montaje expositivo y los textos de los comisarios.
EN TORNO A LONDRES
En 1959, la Tate Gallery acogió una exposición titulada New American Painting, que provocó que el crítico de arte Lawrence Alloway dijera que “ningún otro país del mundo podría montar una exposición de pinturas de la posguerra que igualara esta”. Del mismo modo, podríamos decir ahora, al hablar de la escena artística londinense, que ninguna otra ciudad puede presentar una exposición que incluya la cantidad y calidad de los artistas presentes en la presente exposición London Calling. Arte británico hoy. De David Hockney a Idris Khan.
La ciudad de Londres inició en los años sesenta una transformación económica y social que le ha llevado a convertirse en una de las indiscutibles capitales del arte contemporáneo. Una escena artística conformada por innumerables galerías de arte, por museos o instituciones del nivel de la Tate, la Royal Academy of Arts o la Serpentine Gallery, o por escuelas de arte de gran prestigio, que alumbró una revolución en el arte con movimientos como la nueva escultura británica o los Young British Artists (YBA).
Esta exposición reúne una serie de artistas contemporáneos todavía en activo cuya trayectoria artística ha estado de algún modo influida por Londres, bien fuera porque acudieran allí durante su formación, se trasladaran a trabajar allí para estar cerca de las grandes galerías y museos, o bien porque abandonaran la ciudad en busca de nuevos horizontes artísticos, artistas que a la vez han contribuido a situar la ciudad en la vanguardia artística a la manera de Florencia en el Renacimiento, París con el impresionismo o Nueva York en la segunda mitad del siglo XX.
DAVID HOCKNEY
David Hockney (Bradford, Reino Unido, 1937) es uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Su obra abarca desde fotografías con collages hasta paisajes al aire libre y retratos. Hockney asistió al Royal College of Art de Londres junto a R.B. Kitaj. En la escuela estudió con otros artistas como Francis Bacon o Peter Blake. En noviembre de 2018, su pintura Pool With Two Figures, de 1972, se vendió por 90,3 millones de dólares en Christie’s, lo que la convierte en la pintura más cara de un artista vivo.
Las obras de Hockney se encuentran actualmente en las colecciones del MoMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou en París, el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles o la Galería Nacional de Victoria en Melbourne, entre muchos otros. Hockney es académico de la Royal Academy of Arts de Londres.
El trabajo de Hockney se caracteriza por el uso de muy diversas técnicas. Un buen ejemplo de ello son las obras realizadas con ordenador e iPad que se pueden ver en esta exposición. Muchas de estas obras realizadas con iPad pudieron contemplarse en su exposición A Bigger Picture en la Royal Academy of Arts de Londres, siendo la segunda exposición más visitada hasta la fecha en la historia de esta institución.
MICHAEL CRAIG-MARTIN
Michael Craig-Martin (Dublín, 1941) se formó en Estados Unidos en la Universidad de Yale, pero a mediados de los años sesenta se trasladó a Londres, donde se convirtió en una de las figuras clave de la nueva generación de artistas británicos conceptuales. Craig-Martin impartió clases como profesor en el Goldsmiths College de Londres de 1974 a 1988 y de 1994 a 2000. Durante ese tiempo, ejerció una gran influencia en toda una generación de estudiantes que se convertirían en lo que posteriormente se conoció como los Young British Artists (Artistas jóvenes británicos).
La obra de Craig-Martin ha sido objeto de numerosas exposiciones en museos e instituciones tan prestigiosas como el Pompidou de París, el MOMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la Kunstverein de Dusseldorf, el IVAM de València, la Whitechapel o la Serpentine Gallery de Londres. Actualmente reside en Londres, ciudad a la que califica como “la más dinámica, cosmopolita y culturalmente diversa del mundo”. Es académico de la Royal Academy of Arts de Londres.
Esta exposición cuenta con dos pinturas de Craig-Martin en las que encontramos objetos de nuestra vida cotidiana con esa combinación de colores tan característica en su trabajo. Una de las obras ha sido realizada durante el confinamiento que experimentó Londres para combatir la pandemia y en ella podemos ver esos nuevos objetos que se han incorporado a nuestra vida diaria como son las mascarillas y el gel hidroalcohólico.
PHYLLIDA BARLOW
Phyllida Barlow (Newcastle, 1944) es una escultora británica cuyo trabajo se caracteriza por las esculturas de gran tamaño realizadas con materiales de bajo coste como cartón, tela o cemento. Pese a llevar toda su vida trabajando como artista y como profesora en diversas escuelas de arte, el reconocimiento no le ha llegado hasta ya cumplidos los 70 años y ya retirada de la enseñanza. Desde entonces, Barlow ha expuesto en la Serpentine Gallery de Londres (2010), ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia (2017) y su obra ha sido objeto de una gran exposición en 2019 en la Royal Academy of Arts. También ha expuesto en museos como el New Museum de Nueva York o la Kunsthaus de Zurich. Actualmente reside en Londres y es académica de la Royal Academy of Arts.
Esta exposición incluye una gran instalación escultórica de Barlow que es muy representativa de su trabajo. Se trata de una pieza compuesta por cinco carteles de cartón cubiertos de arena y cemento que se inspiran en los famosos carteles en forma de triángulo que pueblan el paisaje urbano de Londres y en los que se anuncia que el piso del que cuelgan está en venta o en alquiler.
SEAN SCULLY
Sean Scully (Dublín, 1945) es uno de los artistas abstractos más importantes a nivel internacional. Scully se trasladó a Londres siendo un niño y recibió su formación artística en instituciones como la Central School of Art (1962-1965), el Croydon College of Art (1965 – 1968), ambos en Londres, y la Universidad de Newcastle donde se graduó en 1972. Tal y como afirma Scully, en los años sesenta “Londres era el centro de la tierra. Es una ciudad que es como un universo, que ha llevado tanto tiempo crearse y que ha sido exitosa durante miles de años. No hay ninguna ciudad en el mundo como esta”.
Scully ha expuesto en lugares como Nueva York, Filadelfia, Roma, Washington, Dublín, Londres, Barcelona o Valencia. Es doctor Honoris Causa por el Massachusetts College of Art de Boston o la National University of Ireland, entre otras instituciones. Su obra pertenece a las colecciones de museos tan prestigiosos como The Art Institute de Chicago; el Guggenheim, el Metropolitan y el MOMA de Nueva York; la National Gallery de Washington; el Albertina de Viena; el Museo Reina Sofía de Madrid, la Tate de Londres y la propia Fundación Bancaja, entre muchos otros. Ha expuesto su obra en el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Londres o en la última Bienal de Venecia. Scully es académico de la Royal Academy of Arts.
Esta exposición contiene dos obras de Scully pertencientes a la colección de la Fundación Bancaja. Ambas obras pertenecen a la serie Wall of Light, integrada por más de 200 obras, y en ellas se pueden apreciar unos bloques de luz que constituyen unos muros con intensos colores que guardan un enorme equilibrio. Una luz que no se sabe muy bien si nace de dentro de las obras o es capturada por éstas.
RICHARD DEACON
Richard Deacon (Bangor, Reino Unido, 1949) es un artista galés contemporáneo conocido por sus esculturas abstractas que realiza en una gran variedad de materiales como son acero, madera, cerámica, vinilo, mármol o cuero. Estudió en varias escuelas de arte de Londres como la St. Martins School of Arts o el Royal College of Art. Ganó el prestigioso Premio Turner en 1987. El artista actualmente vive y trabaja en Londres.
Las obras de Deacon se encuentran en las colecciones del Museo Stedelijk de Ámsterdam, el MoMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París y la Tate Gallery de Londres, entre otros. Las esculturas de esta exposición pertenecen a una de sus líneas de trabajo más recientes, conocida como el Alfabeto. El nombre viene de que este grupo de obras está compuesto por 26 esculturas, como el alfabeto en inglés, pero ninguna de ellas representa la letra asignada.
TONY CRAGG
Tony Cragg (Liverpool, 1949) es uno de los escultores británicos más reconocidos. En 1988 representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia y ganó el Premio Turner. Su obra ha sido objeto de exposiciones en museos como el Reina Sofía, la Tate Gallery, el Stedelijk de Amsterdam, el Museo Nasher de Dallas, la Corcoran Gallery de Washington, la Galería Belvedere de Viena, el MACRO de Roma, el CAFA Museum de Pekín o la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Cragg fue elegido en 1994 académico de la Royal Academy of Arts de Londres y en 2016 fue nombrado por la reina Caballero del Imperio Británico.
El trabajo de Cragg se caracteriza por el contraste entre lo industrial y la naturaleza y por el uso de muy variados materiales como son la piedra, la madera, el aluminio, el acero inoxidable, el bronce o el plástico. La escultura presente en esta exposición es un buen ejemplo de ello, pues está hecha con madera pero cubierta con pintura industrial.
ANTONY GORMLEY
Antony Gormley (Londres, 1950) es un artista británico conocido por la exploración del cuerpo humano y su relación con el entorno. El artista ingresó en el Trinity College de Cambridge en 1968, donde conoció a los artistas Barry Flanagan y Michael-Craig Martin. Luego estudió en el Saint Martins School of Art, en el Goldsmiths College y en la Slade School of Art, donde se graduó en 1979, comenzando su carrera con una exposición individual en la Galería Whitechapel dos años después. El artista actualmente vive y trabaja en Londres. Ha recibidio el Premio Turner en 1994, ha sido elegido académico de la Royal Academy of Arts en 2005 y Caballero del Imperio Británico en 2014. Gormley ha realizado exposiciones en lugares tan singulares como la Royal Academy of Arts de Londres, el Forte di Belvedere de Florencia o en la Madison Square de Nueva York.
Esta exposición contiene dos obras de Gormley en las que se puede comprobar esa exploración del cuerpo humano producido, en este caso, con el ordenador a través de esas formas geométricas que representan los píxeles.
ANISH KAPOOR
Anish Kapoor (Bombay, 1954) es un artista contemporáneo británico que trabaja con una gran variedad de escalas y con diversos materiales (acero inoxidable, piedra, cera y PVC) explorando formas biomórficas y geométricas con un interés particular por el vacío. Kapoor nació en Bombay, pero se mudó a Londres a fines de la década de 1970, estudiando tanto en el Hornsey College of Art como en el Chelsea School of Art. Kapoor recibió el Premio Turner en 1991, fue elegido académico de la Royal Academy of Arts de Londres en 1999 y Caballero del Imperio Británico en 2013. Su obra ha sido objeto de exposiciones en lugares tan emblemáticos como la sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres, el Grand Palais de París, el Palacio de Versalles, la Royal Academy of Arts de Londres, el Guggenheim de Bilbao, la Ciudad Prohibida de Pekín o la Basílica de San Giorgio Maggiore en Venecia. El artista vive actualmente en Londres.
En las obras presentes en esta exposición encontramos dos características muy presentes en el trabajo de Kapoor: el uso del color rojo y del acero inoxidable. Por una parte, tenemos dos discos de acero inoxidable con laca roja en los que el visitante se puede ver reflejado pasando tanto él como su entorno a formar parte de la obra. Y, por otra parte, tenemos tres obras pertenecientes a las pinturas realizadas con silicona en las que el color rojo, tan presente en la pintura religiosa, es el protagonista. Una serie de obras que nos recuerdan a lo que en inglés se denomina “flesh”, y que podríamos traducir en español como carne, unas obras que sin duda nos remiten a otro de los grandes representantes de la escena artística londinense de la segunda mitad del siglo XX, Francis Bacon, cuyas obras se caracterizan por representar el lado animal del ser humano.
CORNELIA PARKER
Cornelia Parker (Cheshire, 1956) es una artista británica conocida por sus grandes instalaciones en las que distintas partes de una obra aparecen suspendidas en el aire como si hubiera habido una explosión. Parker estudió en el Gloucestershire College of Art and Design y luego recibió su Master en Bellas Artes de la Universidad de Reading en 1982. Es académica de la Royal Academy of Arts, finalista del Premio Turner y ha sido distinguida con la Orden del Imperio Británico. Su obra ha sido ampliamente expuesta en museos de todo el mundo como el Metropolitan de Nueva York, la Serpentine Gallery de Londres o el ICA de Boston.
Esta exposición cuenta con una variación de una obra icónica de Parker titulada Thirty Pieces of Silver que, en este caso, se llama Endless Column IV (2012) y en la que encontramos 14 piezas de plata aplastadas y colgadas del techo con unos cables. La instalación de 30 piezas de plata hace referencia al pago que recibió Judas por traicionar a Jesucristo. Tal y como explica la propia artista, “la plata es conmemorativa, los objetos son hitos en la vida de las personas. Quería cambiar su significado, su visibilidad, su valor, por eso los aplasté, abandonándolos todos a la misma suerte”.
JULIAN OPIE
El trabajo de Julian Opie (Londres, 1958) se caracteriza por el uso de líneas gruesas en las que envuelve colores planos con los que representa principalmente retratos y paisajes. Opie estudió con Michael Craig-Martin en el Goldsmiths College en los años ochenta. Su obra ha sido objeto de exposiciones en museos e instituciones como la Fundación Bancaja, el IVAM, la Hayward Gallery de Londres, el K21 de Dusseldorf, la Kunstverein de Colonia, la Bienal de Venecia o la Colección Berardo de Lisboa. Su obra pertenece a colecciones como el MOMA de Nueva York, la Tate, el British Museum, el ICA de Boston, el Museo de Israel, y la Fundación Bancaja, entre otros. Actualmente vive y trabaja en Londres.
Opie juega con las distintas formas de reinterpretar el vocabulario de la vida cotidiana. Su estilo reduccionista evoca una experiencia visual y espacial del mundo que nos rodea. El artista conecta la sencillez del lenguaje visual de la vida moderna con los fundamentos de la historia del arte abrazando la influencia de retratos clásicos, jeroglíficos egipcios y grabados japoneses en madera, así como carteles públicos, paneles de información y señales de tráfico. Algo que podemos ver en las dos obras presentes en esta exposición y pertenecientes a la colección de la Fundación Bancaja.
GRAYSON PERRY
Grayson Perry (Chelmsford, Reino Unido, 1960) es un artista británico conocido principalmente por sus cerámicas y tapices en los que a menudo incluye referencias autobiográficas en las que, en ocasiones, aparece su alter ego Claire. Perry se graduó en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Portsmouth. En 2003 fue el primer ceramista en ganar el Premio Turner. Su obra pertenece a colecciones como las del MOMA de Nueva York y la Tate de Londres y ha expuesto en museos e instituciones como la Serpentine Gallery, el Andy Warhol Museum de Pittsburg o el Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa en Japón. Actualmente vive y trabaja en Londres. Perry fue elegido en 2011 académico de la Royal Academy of Arts de Londres.
En sus obras, Perry explora las nociones de género, identidad y costumbre. En The Comfort Blanket uno puede ver todo lo que Perry considera cualidades inglesas, lo bueno y lo malo, mientras que en el jarrón titulado Modern Family explora el cambiante panorama de la paternidad.
YINKA SHONIBARE
Yinka Shonibare MBE (Londres, 1962) es un artista contemporáneo británico-nigeriano conocido por sus instalaciones escultóricas que exploran temas del poscolonialismo. Utilizando telas holandesas estampadas con cera en su trabajo, Shonibare produce vestidos, motivos para pinturas y esculturas. Para el artista, el material hace referencia a cuestiones como el comercio, la raza y la política, ya que fue producido por europeos para ser vendido en Indonesia como un estilo nativo y posteriormente se hizo popular en los países de África Occidental. Unas telas que podemos ver en la escultura presente en esta exposición
Shonibare nació en Londres pero creció en Lagos y se trasladó de nuevo a Inglaterra durante su adolescencia. El artista estudió en el Byam Shaw College of Art en Londres (ahora llamado Central Saint Martins College) y luego recibió su Master en Bellas Artes en el Goldsmiths College en 1991. Shonibare continúa viviendo y trabajando en Londres. Sus obras se encuentran en las colecciones de la National Gallery of Art en Washington, D.C., el Victoria and Albert Museum en Londres y el Walker Art Center en Minneapolis, entre otros. Shonibare acaba de recibir este año el prestigioso premio Whitechapel Gallery Art Icon.
JAKE Y DINOS CHAPMAN
Jake y Dinos Chapman (Cheltenham, 1966 y Londres, 1962, respectivamente) son un dúo de artistas británicos cuyos proyectos de colaboración incorporan imágenes que representan escenas grotescas con continuas referencias a la historia del arte y a la cultura popular que en muchas ocasiones generan controversia. En esa línea, esta exposición contiene una de sus obras más conocidas, consistente en una intervención en la serie de grabados Los desastres de la guerra de Goya, y otra obra en la que podemos ver un chaleco bomba como los utilizados en los atentados terroristas fundido en bronce.
Dinos estudió arte en el Ravensbourne College of Art y Jake en el North East London Polytechnic. Ambos asistieron al Royal College of Art para obtener su master. Los hermanos Chapman pertenecen al grupo conocido como los Young British Artists (artistas jóvenes británicos) que se dieron a conocer en la exposición Freeze, organizada en 1988 por el artista Damien Hirst.
RACHEL WHITEREAD
Rachel Whiteread (Ilford, 1963) es una escultora británica cuyo trabajo se caracteriza por la réplica en hormigón de objetos, arquitecturas y espacios domésticos. Whiteread estudió pintura en la Brighton Polytechnic y, más tarde, escultura en la Slade School of Fine Art de Londres. Fue entonces cuando fue incluida en una exposición colectiva de los Young British Artists. Su obra pertenece a colecciones como la del Guggenheim Museum de Nueva York, la National Gallery de Washington y la Tate Gallery de Londres, entre otros. En 2019 fue nombrada por la reina Dama de la Orden del Imperio Británico. Actualmente vive y trabaja en Londres.
La obra presente en esta exposición es representativa de ese trabajo relacionado con los objetos que le rodean. En esta escultura llena el espacio que podemos encontrar debajo de una silla y es que el trabajo de Whiteread llena literalmente el vacío de los objetos, creando una metáfora visual de lo perdido u olvidado en la sociedad.
DAMIEN HIRST
Damien Hirst (Bristol, 1965) fue el organizador de la exposición Freeze, que supuso el lanzamiento del movimiento Young British Artists, que saltó a la fama a principios de la década de 1990. Hirst se crió en Leeds y estudió en el Goldsmiths College de Londres, donde llamó la atención del coleccionista Charles Saatchi, quien se convirtió en uno de sus primeros mecenas. Hirst ganó el Premio Turner en 1995. En 2015, Hirst abrió la Newport Street Gallery en Londres con la intención de compartir su colección de arte con el público. Sus obras se encuentran en las colecciones de la Tate de Londres, el Museo Hirshhorn en Washington o la Colección de la Familia Rubell en Miami, entre otros.
Hirst explora en muchas de sus obras la relación entre la vida y la muerte. Algo que podemos contemplar en Yantra, una obra de una gran belleza realizada con mariposas muertas o en Sad Memories, una de sus conocidas vitrinas que comenzó a realizar en su etapa en el Goldsmith College y en las que con una estética minimalista presentaba una vitrina llena de medicamentos. En esta ocasión, las medicinas han sido sustituidas por zirconitas.
MAT COLLISHAW
Mat Collishaw (Nottingham, 1966) es otra figura clave de los Young British Artists. Collishaw crea un trabajo que enfrenta problemas de ambigüedad moral con imágenes formalmente impresionantes y atractivas. Al unir referencias a la historia del arte, la literatura y la era victoriana con la tecnología moderna, el artista presenta imágenes y objetos poderosos que a menudo recontextualizan el impacto de temas tradicionalmente inquietantes y siniestros.
Ha participado en exposiciones en museos e instituciones de prestigio como el Museo Pushkin de Moscú, la galería Rudolfinum de Praga, el Jardin Botánico de Madrid, Villa Borghese de Roma, el Bass Museum de Miami o el Victoria and Albert Museum de Londres, entre otros. Actualmente reside en Londres.
Las obras presentes en esta exposición son un ejemplo de esa ambigüedad moral y referencias al pasado. Por un lado, tenemos un espejo en el que aparece y desaparece una imagen de un célebre cuadro de Caravaggio de una gran violencia y, por otra parte, podemos contemplar ocho obras pertenecientes a la serie Last Meal on Death Row, Texas (“La última cena en el corredor de la muerte, Texas”) en las que reproduce como si se tratara de un bodegón la última cena que pidieron varios condenados a muerte en una cárcel de Texas.
RACHEL HOWARD
Rachel Howard (Easington, Reino Unido 1969) es una pintora británica que actualmente vive y trabaja en Stroud. Estudió en Goldsmith College, donde se graduó en 1991. El trabajo de Howard se preocupa por los efectos psicológicos de los actos de violencia extrema. Las víctimas de esta violencia a menudo describen un detalle insignificante pero no pueden recordar el acto en sí. Howard ha expuesto en galerías y museos de Los Ángeles, Londres, Nueva York, Nápoles y Zúrich.
En las obras presentes en esta exposición tituladas Love Fool y High Flyer podemos ver que la violencia está ya implícita en la elección del color rojo. En ellas, la artista elige un objeto doméstico que podemos encontrar en multitud de casas como es una cortina hecha con redecilla sobre la que pinta trasladando así ese patrón al lienzo. En la pintura Path to Edge, Howard consigue a través de la veladura de la pintura crear un ambiente desconcertante, como si se tratara de un recuerdo borroso que tratamos de olvidar.
JASON MARTIN
Jason Martin (Jersey, Inglaterra, 1970) realiza un trabajo caracterizado por encontrarse a medio camino entre la pintura y escultura. Martin estudió en el Chelsea College of Art y en el Goldsmiths College a principios de los noventa. Su trabajo llamó la atención de una amplia audiencia al ser incluido en 1997 en la exposición Sensation: Young British Artists from the Saatchi Collection, celebrada en la Royal Academy of Arts de Londres, y en la que también participaron otros artistas presentes en esta exposición como son Damien Hirst, Mat Collishaw, Jake y Dinos Chapman, Rachel Whiteread y Yinka Shonibare.
Sus obras monocromas en las que explora las diferentes posibilidades de la superficie se han visto en exposiciones en ciudades como Londres, Venecia, Málaga o Palma de Mallorca. Actualmente vive y trabaja entre Londres y Lisboa. Martin produce formas orgánicas con una técnica mecánica como es el movimiento preciso de su pincel. Unos pinceles que son creados por el propio artista y con los que consigue ese estilo tan reconocible caracterizado por unas ondas hipnóticas y meditativas de pintura y color.
ANNIE MORRIS
Annie Morris (Londres, 1978) es una artista británica que trabaja con muy diversos materiales y técnicas como son la escultura, pintura, tapices o dibujos, siendo sus obras más conocidas las esculturas de esferas de muy diversos colores. Ha realizado colaboraciones con marcas de moda como Burberry o Comme des Garçons. Su obra ha sido objeto de exposiciones en galerías de Londres, Nueva York, Los Ángeles o Milán. Morris reside actualmente en Londres.
En esta exposición, podemos contemplar una de sus características esculturas de formas esféricas donde explora su amor por los pigmentos. Morris ha desarrollado una técnica en la que el pigmento parece estar ligeramente comprimido en la parte superior de la superficie, lo que da una sensación de fragilidad. El tapiz de la exposición explora temas de feminidad, maternidad y fertilidad con la iconografía única de Morris.
IDRIS KHAN
Idris Khan (Birmingham, 1978) trabaja con una gran variedad de medios que incluyen fotografía, video y escultura. Su trabajo se caracteriza por la superposición de capas y los temas incluyen literatura, historia personal, política, música y religión, específicamente el Islam, debido a sus orígenes familiares. Khan realizó un master en el Royal College of Art de Londres, ciudad en la que reside actualmente.
Sus obras están incluidas en las colecciones de instituciones prominentes como el Museo Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte de Tel Aviv en Israel, y ha expuesto en museos tan prestigiosos como el British Museum. Esta exposición contiene una de sus características pinturas realizadas con varios cristales superpuestos y una de sus últimas obras en las que la música es la principal fuente de inspiración.
